Rendre visible l’oeuvre d’art : restaurer, photographier

Les institutions muséales qui désirent repenser leurs missions confèrent une profondeur supplémentaire à leur réflexion en revisitant leur propre histoire. L’histoire institutionnelle des musées, cependant, ne suffit pas à combler leur attente. Une histoire culturelle du regard sur l’art semble plus appropriée, puisqu’elle seule est capable de saisir les modalités qui affectent radicalement la contemplation artistique, et par conséquent les objets contemplés à une époque donnée. Une telle approche peut être conçue dans la ligne des travaux de Francis Haskell, mais sa mise en oeuvre doit reposer sur des bases théoriques nouvelles. Les enjeux de ce type d’étude réclament de nouvelles méthodes ; il suffit de songer à l’immense impact d’internet, de l’image digitale et de la téléphonie contemporaine sur la perception actuelle de l’œuvre d’art. Cette histoire du regard, Pascal Griener ambitionne de l’appliquer à une époque essentielle pour la compréhension de notre modernité : le xixe siècle. En effet cette période voit s’affirmer, pour la première fois, la programmation d’une contemplation publique globale et immédiate à l’ambition démocratique. Les grands musées anglais de l’ère victorienne inventent, dès les années 1840, la statistique mensuelle des visiteurs, index certifié d’une popularité de masse ; les grandes institutions nationales ouvrent leurs portes gratuitement. Programmé par des politiques contrastées en Europe, le regard sur l’art se construit de manière complexe, mais sur des bases radicalement nouvelles. La reproduction en deux ou en trois dimensions connaît alors un développement sans précédent ; la photographie remplace graduellement la gravure de reproduction, et les musées de copies en plâtre assument un rôle majeur dans presque toute l’Europe. La littérature artistique se propose d’accompagner la visite au musée comme événement cognitif et émotionnel, à l’aide de nouvelles formes. L’architecture muséale propose une mise en condition du visiteur par la vertu de programmes iconographiques éloquents, mais surtout la programmation spatiale de la rencontre d’une conscience avec les œuvres. Le marché de l’art, pour la première fois, est contraint de se positionner par rapport au musée et au système de valeurs qu’il sanctionne. Certains conservateurs, comme Wilhelm von Bode, tentent d’explorer ce lien entre marché de l’art et musée jusqu’à ses dernières conséquences. La typologie des œuvres d’art « muséalisables » devient alors un enjeu majeur – commercial et scientifique – qui n’a pas encore été étudié. Dans les grands empires européens, les musées nationaux entrent en concurrence directe ; cette concurrence, avivée par l’impact des expositions universelles, dessine un paysage muséal commun parcouru d’échanges, d’emprunts, mais aussi de refus ou de conflits. Les institutions muséales les plus importantes tentent de produire un tableau universel de l’art. Seule une approche globale, comparative des politiques propres à ces musées permet à l’historien de saisir l’ampleur de tous ces phénomènes comme leur articulation. Tous ces phénomènes modifient la littérature artistique, tant dans ses contenus que dans ses formes, et jusque dans sa matérialité. Professeur d’histoire de l’art et de muséologie à l’Université de Neuchâtel, Suisse, depuis 1995. Historien d’art et de la culture, Pascal Griener a consacré ses recherches à l’histoire de l’art allemand de la Renaissance, puis à l’histoire des collections et à l’historiographie de l’art en Europe. Depuis quelques années, il travaille à une nouvelle histoire de la contemplation de l’art comme fait culturel ; son livre La République de l’œil (2010) propose la mise en œuvre de ses méthodes dans le domaine des Lumières. Dans cette histoire de la contemplation artistique, l’analyse d’œuvres d’art concrètes occupe une place centrale. Pascal Griener étudie les modalités de leur appropriation par la culture moderne, (dé-contextualisation, restauration, présentation tronquée ou complète, typologisation, insertion dans l’historiographie de l’art etc.) dans un cadre européen

Les institutions muséales qui désirent repenser leurs missions confèrent une profondeur supplémentaire à leur réflexion en revisitant leur propre histoire. L’histoire institutionnelle des musées, cependant, ne suffit pas à combler leur attente. Une histoire culturelle du regard sur l’art semble plus appropriée, puisqu’elle seule est capable de saisir les modalités qui affectent radicalement la contemplation artistique, et par conséquent les objets contemplés à une époque donnée. Une telle approche peut être conçue dans la ligne des travaux de Francis Haskell, mais sa mise en oeuvre doit reposer sur des bases théoriques nouvelles. Les enjeux de ce type d’étude réclament de nouvelles méthodes ; il suffit de songer à l’immense impact d’internet, de l’image digitale et de la téléphonie contemporaine sur la perception actuelle de l’œuvre d’art. Cette histoire du regard, Pascal Griener ambitionne de l’appliquer à une époque essentielle pour la compréhension de notre modernité : le xixe siècle. En effet cette période voit s’affirmer, pour la première fois, la programmation d’une contemplation publique globale et immédiate à l’ambition démocratique. Les grands musées anglais de l’ère victorienne inventent, dès les années 1840, la statistique mensuelle des visiteurs, index certifié d’une popularité de masse ; les grandes institutions nationales ouvrent leurs portes gratuitement. Programmé par des politiques contrastées en Europe, le regard sur l’art se construit de manière complexe, mais sur des bases radicalement nouvelles. La reproduction en deux ou en trois dimensions connaît alors un développement sans précédent ; la photographie remplace graduellement la gravure de reproduction, et les musées de copies en plâtre assument un rôle majeur dans presque toute l’Europe. La littérature artistique se propose d’accompagner la visite au musée comme événement cognitif et émotionnel, à l’aide de nouvelles formes. L’architecture muséale propose une mise en condition du visiteur par la vertu de programmes iconographiques éloquents, mais surtout la programmation spatiale de la rencontre d’une conscience avec les œuvres. Le marché de l’art, pour la première fois, est contraint de se positionner par rapport au musée et au système de valeurs qu’il sanctionne. Certains conservateurs, comme Wilhelm von Bode, tentent d’explorer ce lien entre marché de l’art et musée jusqu’à ses dernières conséquences. La typologie des œuvres d’art « muséalisables » devient alors un enjeu majeur – commercial et scientifique – qui n’a pas encore été étudié. Dans les grands empires européens, les musées nationaux entrent en concurrence directe ; cette concurrence, avivée par l’impact des expositions universelles, dessine un paysage muséal commun parcouru d’échanges, d’emprunts, mais aussi de refus ou de conflits. Les institutions muséales les plus importantes tentent de produire un tableau universel de l’art. Seule une approche globale, comparative des politiques propres à ces musées permet à l’historien de saisir l’ampleur de tous ces phénomènes comme leur articulation. Tous ces phénomènes modifient la littérature artistique, tant dans ses contenus que dans ses formes, et jusque dans sa matérialité. Professeur d’histoire de l’art et de muséologie à l’Université de Neuchâtel, Suisse, depuis 1995. Historien d’art et de la culture, Pascal Griener a consacré ses recherches à l’histoire de l’art allemand de la Renaissance, puis à l’histoire des collections et à l’historiographie de l’art en Europe. Depuis quelques années, il travaille à une nouvelle histoire de la contemplation de l’art comme fait culturel ; son livre La République de l’œil (2010) propose la mise en œuvre de ses méthodes dans le domaine des Lumières. Dans cette histoire de la contemplation artistique, l’analyse d’œuvres d’art concrètes occupe une place centrale. Pascal Griener étudie les modalités de leur appropriation par la culture moderne, (dé-contextualisation, restauration, présentation tronquée ou complète, typologisation, insertion dans l’historiographie de l’art etc.) dans un cadre européen

Les historiens d’art retiennent le plus souvent de la restauration son apport à la connaissance matérielle de l’œuvre. Cette perspective est ici intégrée à celle plus générale de la restauration comme « interprétation », moment méthodologique de sa reconnaissance critique. Double paradigme qui implique le croisement des approches pratiques, techniques et théoriques, le dialogue entre l’esthétique et l’histoire de l’art – histoire du goût, histoire de la réception, histoire de la restauration elle-même. Aussi l’ouvrage associe-t-il une quarantaine de contributeurs, restaurateurs, conservateurs, chercheurs, en vingt-trois chapitres allant de la statuaire antique à la peinture contemporaine, et développant aussi bien des études de cas que des essais synthétiques. Il offre ainsi une introduction sans équivalent aux recherches actuelles, principalement en France et en Belgique, menées sur la restauration des peintures et des sculptures.